Etwas mehr als eine Stunde lang leihen die Darstellerinnen und Darsteller in „Dodô“ kurzen Szenen, die vertraut und doch seltsam wirken, ihre Stimmen und Körper. Die fragmentarische Ensembleproduktion baut eine unverzichtbare, aber zerbrechliche Sprache auf und formt sie neu – eine Sprache, die oft beschädigt oder schwer zugänglich ist.
Die Szenen gehen aus Sackgassen, Erinnerungsfragmenten und unterbrochenen Bedeutungen hervor und fragen danach, wie Identität und Erinnerung mit dem Sprechen zusammenhängen. Alle Darstellerinnen und Darsteller haben Aphasie, eine degenerative Erkrankung, die kognitive Fähigkeiten beeinträchtigt, und gehören zu Ser em Cena, einem seit 2002 aktiven Theaterprojekt. Das Werk geht über einen therapeutischen Rahmen hinaus und nutzt die Erfahrungen der Mitwirkenden für eine künstlerische Auseinandersetzung mit Sprache.
„Dodô“ wurde von Elisa Band und Nicholas Wahba inszeniert und greift die ästhetische und philosophische Welt Samuel Becketts auf. Die spärliche Handlung und mühsam errungenen Dialogfragmente stehen Dunkelheit und Stille gegenüber, während die Worte und Bewegungen der Darstellerinnen und Darsteller mit bemerkenswerter Präzision angeordnet sind.
Becketts Einfluss zeigt sich in den Antihelden, Routinen, leeren Gesprächen und dem Widerstand der Inszenierung gegen jede Vorwärtsbewegung. Wiederholung steht neben Improvisation, Stillstand weicht Bewegung, und vertraute Wendungen werden zu komischen, verstörenden Formen verdreht. Zugleich bietet das Stück Raum für choreografierte Körper, unverwechselbare Klangwelten und eindringliche Bilder.
Die Inszenierung wechselt zwischen stillen Pausen und raschem Sprechen und setzt dabei auf beschleunigte Monologe, Abfolgen von Stimmen und wortlose Bewegung. Mitunter erinnert die körperliche Komik an die Beziehung zwischen Becketts Theater und dem Stummfilm. Der sorgfältig gestaltete Rhythmus gibt jeder Darstellerin und jedem Darsteller Raum und macht zugleich ein gemeinsames Drama sichtbar.
„Dodô“, ein Name, der auf Didi und Gogo, die Protagonisten von „Warten auf Godot“, verweist, bewegt, ohne auf einfache Sentimentalität oder Belehrung zurückzugreifen. Die Szenen denken darüber nach, was es bedeutet, aus Worten zu bestehen – und was geschieht, wenn diese Worte versagen. Die emotionale Kraft der Inszenierung entspringt nicht nur dem Gesagten, sondern auch dem Bemühen zu sprechen und den Stillemomenten, die es umgeben.
Quellen: Folha Ilustrada.