Pendant un peu plus d’une heure, les interprètes de « Dodô » prêtent leur voix et leur corps à de brèves scènes, familières et pourtant étranges. Cette production chorale fragmentée construit et remodèle un langage essentiel mais fragile, souvent altéré ou difficile d’accès.
Les scènes naissent d’impasses, de fragments de mémoire et de sens interrompus, et interrogent les liens entre identité, mémoire et parole. Tous les acteurs sont aphasiques : ils sont atteints d’une affection dégénérative qui touche les capacités cognitives et font partie de Ser em Cena, un projet théâtral actif depuis 2002. L’œuvre dépasse le cadre thérapeutique et s’appuie sur l’expérience des interprètes pour façonner une exploration artistique du langage.
Mise en scène par Elisa Band et Nicholas Wahba, « Dodô » puise dans l’univers esthétique et philosophique de Samuel Beckett. Son action dépouillée et ses bribes de dialogue arrachées à grand-peine se déploient sur fond d’obscurité et de silence, tandis que les paroles et les mouvements des interprètes sont agencés avec une précision remarquable.
L’influence de Beckett se manifeste dans les antihéros, les routines, les conversations creuses et la résistance à toute progression de la production. La répétition côtoie l’improvisation, l’immobilité cède la place au mouvement et des expressions familières sont détournées pour devenir comiques et troublantes. Le spectacle fait également place à des corps chorégraphiés, à des paysages sonores singuliers et à des images saisissantes.
La mise en scène alterne les pauses silencieuses et la parole rapide, avec des monologues accélérés, des séquences de voix et des mouvements sans paroles. Par moments, la comédie physique évoque les liens entre le théâtre de Beckett et le cinéma muet. Le rythme soigneusement maîtrisé laisse à chaque interprète son espace tout en faisant apparaître un drame commun.
« Dodô », un nom qui renvoie à Didi et Gogo, les protagonistes d’« En attendant Godot », émeut sans recourir à un sentimentalisme facile ni donner de leçons. Ses scènes réfléchissent à ce que signifie être constitué de mots — et à ce qui se passe lorsque ces mots font défaut. La force émotionnelle du spectacle tient non seulement à ce qui est dit, mais aussi à l’effort pour parler et aux silences qui l’entourent.
Sources: Folha Ilustrada.